La colección de Peggy Guggenheim de Venecia

Oriane: Durante su «periodo blanco», a principios de la década de 1920, Kandinsky utilizó cada vez más formas geométricas flotando en un plano irregular. El título aísla una cruz blanca que perturba un damero a la derecha, oculto tras formas y signos de colores enmarañados. Sin embargo, la mirada se dirige más bien hacia las líneas perpendiculares naranjas y negras que parecen reequilibrar el conjunto inestable.

Ángel: Sí, sí, habla bien de mi cerebro

Angel: En 1917, Theo van Doesburg y varios artistas más, entre ellos Piet Mondrian, fundaron el grupo De Stijl en un intento de establecer un nuevo arte reductivista.

Así, redujeron los elementos de sus lienzos a colores y formas geométricas en oposición. Su objetivo es expresar una realidad cambiante como es la naturaleza.

Aquí los rectángulos no son en sí formas geométricas,sino el espacio en relieve formado por las líneas y la sustancia creada por los tonos de gris.

Encontramos el óvalo cubista delimitado en las esquinas por las líneas formadas por rectángulos inacabados. Esto desplaza el foco de atención desde el centro del lienzo hacia la periferia.

Oriane : Muy bien… Si lo resumo, es la expresión de 50 Sombras de Grey…

Oriane: En 1924, Théo Van Doesburg se cansó de las líneas horizontales y verticales del grupo De Stijl.

Lo rompió decidiendo neutralizar la monotonía que llamó «Elementalismo» con líneas diagonales.

Esta obra empuja la mirada hacia la periferia invitándonos a seguir las líneas de los triángulos isósceles más allá del lienzo para completarlos.

Angel: ¡Sí, y como resultado creó el reproductor de youtube en 1925!

Angel: Ventanas abiertas simultáneamente…

Cuando veo esto, no me sorprende que Windows se cuelgue a menudo…

Oriane: Angel, no lo entiendes… ¡No son páginas de Windows sino una foto de París!

Delaunay se inspiró para muchos de sus lienzos en una postal de París que mostraba la Torre Eiffel sobre los tejados de la ciudad…

Angel: ¡Ha sí! Ahora que lo dices: se puede ver la forma de la Torre Eiffel en el centro, y luego en la parte inferior algunas ventanas, tal vez algunos edificios verticales a la izquierda también… ¡Muy figurativo después de todo!

Angel: Sí!

Oriane : Incluso parece que haya varias Torres Eiffel!

Angel: A eso me refería con que pintó el mapa varias veces superponiéndolas… ¡Como si hubiera abierto varias ventanas de Windows!

Angel: Este lienzo es un buen ejemplo de la técnica del frotamiento de Max Ernst, que surgió de la idea de reproducir, mediante efectos de manchas aleatorias, formas que la imaginación convierte en figurativas.

Oriane : un poco como cuando encuentras personajes o animales en las nubes?

Angel :Sí, pero lo explica por los recuerdos de infancia al observar las manchas producidas accidentalmente en los surcos de la madera.

También se inspiró en un tratado de pintura de Leonardo da Vinci, que invita a mirar las manchas en las paredes hasta que aparezcan formas

Oriane:¿Y en términos prácticos cómo lo hace?

Angel : De hecho, al principio ponía cuerdas bajo sus lienzos y frotaba pigmentos de pintura sobre ellas. Esto revelaba los meandros aleatorios de los mismos, que luego manipulaba para crear imágenes. Después desarrolló su técnica. Para este lienzo, colocó encima cuerdas cargadas de pintura y trabajó por pulverización.

Oriane: En cualquier caso, cuando veo este cuadro, entiendo dónde encontró J.K. Rowling su inspiración para describir a los mortífagos

Angel: Bueno, por una vez, puede que tengas razón… En Harry Potter, los mortífagos representan el mal… En la obra de Ernst, estas formas humanoides unidas a formas de pájaros aluden al auge del nazismo en los años 30… ¡Y fueron los propios nazis quienes lo vieron, ya que Hitler lo puso en la lista negra en 1933!

Oriane: ¡Qué fuerte! ¡Consigue expresar ideas de forma concreta partiendo de formas aleatorias! ¡Aquí podemos ver claramente un humano con uñas largas y afiladas acariciando la cabeza de un águila! Y al lado, una cobra alzándose… ¿Está hipnotizando al hombre, como hizo el nacionalsocialismo?

Oriane : El conjunto Madmax en color

Angel: ¡Si quieres! En realidad es un óleo sobre lienzo que representa un lugar indeterminado…

Oriane:Muy bien, ¿pero nada más que decir sobre este magnífico lienzo?

Angel:¡Oh, sí! Por supuesto. Yves Tanguy, nacido en París en 1900 viajó a partir de los 18 años a África, Sudamérica e Inglaterra, después de su servicio militar, hizo el servicio cívico en Túnez. Comenzó a pintar en esta época y se hizo un hueco junto a Ernst, Masson, Miró y Picasso, entre otros, en una exposición surrealista celebrada en París en 1927. Después de 1930, sus cuadros incluían imágenes de formaciones geológicas que había observado en sus viajes por África. En 1939, conoció a la pintora Kay Sage y viajó y vivió en Estados Unidos con ella.

Oriane : Y?

Angel: Bueno, en este lienzo el lugar indeterminado es un desierto, o en todo caso, una extensión plana y ventosa… ¿Y la interpretación surrealista del pintor transforma las formaciones geológicas que lo pueblan en objetos más geométricos, quizás mecánicos?

Oriane: ¡Allá vamos! Eso me lo confirma… ¡Pedazos de restos de Mad Max!

Oriane: es bonito pero no veo a primera vista ninguna relación con el título ¡Circuncisión!

Angel: sí que hay un búho en la parte superior pero seguimos circuncidados!

Oriane:¿Quieres decir circuncidados?

Angel:sí, no es lo mismo, ¿no?

Oriane: Un poco en serio… Pues sí. Habría una conexión… Es Lee Krasner, su mujer de origen judío ruso, quien lo dice ya que fue ella quien le sugirió el título…

Angel: ¿De hecho, Pollock no lo sabía ni él mismo?

Oriane: Así es… Su técnica pictórica se guía por el instinto, pareciendo dibujar líneas y formas al azar.

Angel: ¡Y sin embargo se pueden ver en él elementos figurativos además del búho! Fíjate bien: ¡hay flechas, ojos, signos tribales, siluetas humanas e incluso puntadas!

Oriane: y todo parece girar en torno a una zona borrosa que evoca una especie de violencia…

Angel: De hecho, Pollock, que pinta con su inconsciente ha traducido aquí un rito ancestral que puede ser cualquier cosa menos una circuncisión, ¡pero su mujer, de origen judío, lo asoció a esta costumbre religiosa!

Ángel: ¿La mujer luna? Efectivamente veo una mujer, con la cabeza en forma de Luna creciente…

Oriane: Pollock fue un pintor surrealista claramente influenciado por Joan Miró y Pablo Picasso, y abrazó el concepto del inconsciente como fuente del arte. Las vistas frontal y de perfil del rostro evocan los 2 aspectos del yo: el consciente y el inconsciente.

Ángel: No me importa, pero ¿por qué la Luna?

Oriane:Es posible que, como sus amigos William Baziotes y Robert Motherwell, el artista se inspirara en el poema de Charles Beaudelaire «Los beneficios de la Luna», que evoca «las flores siniestras que se parecen a los incensarios de una religión desconocida, los perfumes que perturban la voluntad».

Angel: ¿Qué te parece?

Oriane: ¿No te parecen siniestras las flores representadas arriba a la derecha? Y la expresión del perfil de la mujer, ¿no muestra una reflexión turbada?

Oriane: ¿No te parecen siniestras las flores representadas arriba a la derecha?

Angel: … Podría decirse, para continuar… Ahí diría yo: ¡para reflexionar!

Ángel: ¡Finalmente un plan claro para recorrer Venecia sin perderse!

Oriane: ¿Esta pintura no te evoca algo más? No olvides que Arshile Gorky es un pintor surrealista influenciado especialmente por Joan Miró: formas de llamas, óvalos punteados y sugerencias de partes genitales flotando en un fondo indeterminado.

Pero a diferencia de Miró, Gorky conecta sus formas creando una estructura global. Y luego solo ocasionalmente vincula las nubes de color a estas formas…

¿Me escuchas, Ángel? ¡Te veo pensativo frente a este cuadro!

Ángel: Lo estoy analizando… ¡No puedo determinar si son sexos femeninos o masculinos! Al final, no es un mapa de Venecia, no es tan claro y ¡me he perdido! ¡Por una vez me equivoqué por completo!

Angel: ¡La única bolera de Venecia!

Oriane: ¡Oh no Angel! No tienes remedio… Menos mal que estas magníficas esculturas de cristal que el artista hizo a partir de bocetos de Pablo Picasso están protegidas por barandillas!

Los bolos de Venecia son la única bolera de Venecia.

Este maestro del vidrio ha creado obras sublimes a menudo en colaboración con los más grandes pintores del siglo XX.

Quería elevar el arte del soplado de vidrio al mismo nivel que la escultura o la pintura, por lo que colaboró con vidrieros, artistas (Alexander Calder, Gino Severini, Pablo Picasso, Jean Arp, Max Ernst, y otros) para crear esculturas de vidrio basadas en sus dibujos.

Este maestro del vidrio ha creado obras sublimes a menudo en colaboración con los más grandes pintores del siglo XX.

Angel: Laurence Vail, estadounidense de nacimiento, nació en París en 1891. Su padre era un reputado pintor que le llevó a Venecia con frecuencia durante su infancia.

En 1922 se casó con Peggy Guggenheim con la que tuvo 2 hijos. Además de sus esculturas, produjo numerosas pinturas y escribió un mordaz libro en el que relataba su relación de forma satírica.

En 1922 se casó con Peggy Guggenheim, con quien tuvo 2 hijos.

Oriane : Esta obra no tiene título… Sólo forma parte de la colección de collages sobre botellas titulada Botellas

Angel: He encontrado una: «¡Un hombre disfrazado que permaneció demasiado tiempo bajo las palomas en la Plaza de San Marcos!».

Oriane: ¡Un poco más de respeto por favor! Este hombre tenía botella!»

Ángel: Alexander Calder, nacido en 1898 en una familia de artistas en Estados Unidos, es especialmente conocido por sus esculturas de alambre y el sorprendente circo que creó en 1928 en Nueva York. Aunque también realizó numerosos dibujos para ilustrar libros y revistas. Después de dibujar imágenes de circo para la gazette de la policía nacional y exhibir algunas pinturas, comenzó a crear esculturas de alambre y madera, dando vida a animales y caricaturas en un espectáculo que llamó el circo Calder.

Se hizo amigo de Joan Miró, cuya influencia se puede ver en muchas de sus obras. A partir de 1931, creó esculturas en movimiento o «móviles» en contraposición a las construcciones fijas, los «estables», y en los años 50, desarrolló móviles sonoros, los «gongs», y móviles murales, las «torres». A finales de los años 60, evolucionó hacia los «tótems» y los «animobiles», que son variaciones de móviles de pie.

Oriane: ¡Oh, mira! ¡Una cabecera de cama de plata! Aérea, ligera, y aunque inmóvil, parece estar en movimiento perpetuo… Plantas, insectos, peces… El conjunto parece estar animado por un ligero movimiento, como el del agua empujada por una brisa suave en la superficie…

¡Una manera de sumergirse suavemente en el sueño, llevando imágenes pacíficas y frescas a nuestros sueños!

Ángel: Pareces estar realmente inspirada. ¡Seguramente es el efecto que buscaba el artista cuando realizó este encargo de Peggy Guggenheim!

Ángel: Twombly, nacido en EE. UU. en 1928, estudió en la Escuela de Bellas Artes de Boston. Comenzó a exhibir obras en 1951 influenciadas por Franz Kline, retomando el expresionismo gestual en blanco y negro, y por Paul Klee, más orientado hacia la imaginería infantil.

A partir de 1952 viajó al norte de África y Europa, luego se instaló en Roma en 1959.

Oriane: ¡Oh, garabatos! ¡Yo también puedo hacerlos!

Ángel: Tal vez garabatos, pero con todo un vocabulario de signos con significados metafóricos, a veces cargados de connotaciones sexuales…

Oriane: ¡Ahí lo tienes! Yo ingenuamente pensaba en dibujos infantiles… ¿Crees que analizando más detenidamente, se pueden descifrar algunos signos y deducir un significado?

Ángel: Sí, por ejemplo, esa cosa con garabatos negros rizados que cuelga en el medio, ¿qué te sugiere? Y al lado izquierdo, ¿la zona rosada entre dos formas paralelas?

Oriane: Entonces, ahí superamos ampliamente mis débiles habilidades de análisis grafológico y psicoanalítico.

Oriane: ¡Oh! ¿Un escorpión medio aplastado?

Ángel: ¡Casi! Jaja, es un insecto venenoso en mal estado… Pero no un escorpión…

¡Mira el título!

Oriane: ¿¡Mujer degollada!?

Ángel: Así es… Es la representación de Alberto Giacometti (el hijo de Giovani Giacometti). Utiliza una técnica surrealista para expresar su visión de la mujer como víctima y autora de la sexualidad masculina: toma la forma de un seudo-insecto, desentrañado.

Sus partes anatómicas están desplazadas y representadas de manera abstracta. Todo el cuerpo está rigidizado en una actitud de rigidez, expresando una violencia infinita.

Oriane: ¡Seguro que estaba un poco perturbado psicológicamente por una o varias mujeres cuando realizó esta escultura!

Ángel: ¿Un poeta? Vaya, vaya…

Oriane: Esta es una obra de 1911, época en la que Picasso exploraba el cubismo analítico, es decir, la fusión del objeto en su espacio.

Para lograrlo, toda la composición estaba fragmentada. Pero en un momento, las telas se volvieron demasiado abstractas para el gusto de Picasso.

Por eso empezó a integrar una estructura piramidal en sus composiciones, como aquí, para devolverle algo de visibilidad al objeto.

Ángel: Es cierto que al alejarse del cuadro todavía se distingue a un personaje, pero de ahí a calificarlo de poeta…

Hay que ser el autor para saberlo. O formar parte del círculo…

Angel: 1939… Una mujer sentada, en plena guerra civil española…

Oriane: Sí, es la guerra en España y el comienzo de la guerra en Europa. Este lienzo está pintado en el modo expresionista, lo que significa que no muestra el mundo tal como es sino que lo expresa.

Oriane: Sí, es la guerra en España y el comienzo de la guerra en Europa.

La cabeza agresiva, casi bestial, expresa angustia. Pero los hombros son anchos y estables, simbolizan solidez…

La cabeza agresiva, casi bestial, expresa angustia.

Ángel : Hay muchos símbolos en esta composición: el pájaro simboliza el aire, el pez simboliza el agua, la luna, las estrellas, los planetas invitan a la reflexión cósmica.

¡Haha, veo que estás respondiendo muy bien a esta invitación!